Artista pl\u00e1stica egresada de la Universidad de los Andes (2015), con una Maestr\u00eda en Artes del California Institute of the Arts (CalArts, 2018) y una Maestr\u00eda en Pintura del Bard College de Nueva York (2019). Su trayectoria ha sido reconocida con diversos premios y becas, entre ellos el primer lugar en el Concurso de Poes\u00eda del Fondo de Cultura Econ\u00f3mica de M\u00e9xico (2022), la beca Felix Gonz\u00e1lez-Torres para investigaci\u00f3n art\u00edstica y la beca Desarrollo de Proyectos de Creaci\u00f3n Art\u00edstica para J\u00f3venes Artistas Visuales y Pl\u00e1sticos del Ministerio de Cultura de Colombia (2021). Ha participado en exposiciones colectivas en espacios como la C\u00e1mara de Comercio de Bogot\u00e1, Galer\u00eda Santaf\u00e9, Galer\u00eda Neebex y Proyecto Binario.\nSu pr\u00e1ctica art\u00edstica aborda la vulnerabilidad desde perspectivas feministas y de estudios de g\u00e9nero, cuestionando imaginarios asociados a la seguridad, la soberan\u00eda y la invulnerabilidad. A trav\u00e9s de proyectos de investigaci\u00f3n y creaci\u00f3n, explora problem\u00e1ticas relacionadas con la violencia sexual y de g\u00e9nero en Am\u00e9rica Latina. Paralelamente, desarrolla una amplia labor acad\u00e9mica como docente y gestora cultural, desempe\u00f1\u00e1ndose actualmente en el Programa de Artes Pl\u00e1sticas de la Universidad El Bosque, donde dirige iniciativas de educaci\u00f3n continua y relacionamiento externo.<\/p>\t\t\n\t\t\t

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Raquel Sof\u00eda Moreno (1999) es dibujante e ilustradora. Naci\u00f3 y vive en Bogot\u00e1, y estudi\u00f3 artes visuales con \u00e9nfasis en gr\u00e1fica en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogot\u00e1. Fue ganadora del premio de Arte Joven del a\u00f1o 2022. En el a\u00f1o 2023 realiz\u00f3 una residencia en Buenos Aires y particip\u00f3 en la exposici\u00f3n En Tr\u00e1nsito. Su primera publicaci\u00f3n y exposici\u00f3n individual sali\u00f3 en el a\u00f1o 2023 y se titula Apocal\u00edpticas. En el a\u00f1o 2024 realiz\u00f3 su segunda muestra individual en la galer\u00eda Sketch en Bogot\u00e1, titulada Un d\u00eda voy a ser otra distinta, en donde explor\u00f3 personajes m\u00edticos femeninos en la pintura y el dibujo. Ha trabajado en el arte de portadas de libros y discos, y ha colaborado en varias revistas locales y nacionales. Le interesa la reproducci\u00f3n de im\u00e1genes y la gr\u00e1fica. Tiene un fuerte inter\u00e9s en el dibujo y en la representaci\u00f3n de la mujer y lo \u00edntimo<\/p>\t\t\n\t\t\t
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Helena es una artista y cocinera bogotana. Estudi\u00f3 arte y cocina en distintos momentos de su vida, y ambas disciplinas se entrelazan en su pr\u00e1ctica art\u00edstica.\nSu trabajo se construye desde la experimentaci\u00f3n con diversos materiales y oficios: el dibujo, la pintura, la carpinter\u00eda y la cocina se convierten en lenguajes y m\u00e9todos de ejecuci\u00f3n. A trav\u00e9s de procesos manuales, repetitivos y sensoriales, explora la transformaci\u00f3n de la materia, donde el hacer \u2014cortar, mezclar, ensamblar, intervenir\u2014 adquiere un papel central en la construcci\u00f3n de sentido.\nLa naturaleza es una fuente constante de inspiraci\u00f3n, en parte por su cercan\u00eda con el campo, que atraviesa su forma de mirar y de hacer.<\/p>\t\t\n\t\t\t
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En 2022 obtuvo el t\u00edtulo de Artes Visuales de la Pontificia Universidad Javeriana<\/strong>, donde recibi\u00f3 la distinci\u00f3n de Tesis Meritoria<\/strong> por su primer cortometraje, I Left Strawberries in My Pocket Until the Day the Suns Go Out<\/em>. En 2024 complet\u00f3 una Maestr\u00eda en Pintura (MFA) en la New York Academy of Art<\/strong>, con el apoyo de la Elizabeth Greenshields Grant<\/strong> y la Academy Scholar Award<\/strong>. Ese mismo a\u00f1o realiz\u00f3 una residencia art\u00edstica en la University of Notre Dame<\/strong> en Kylemore, Irlanda, y recibi\u00f3 la Chubb Fellowship<\/strong>, el m\u00e1ximo reconocimiento otorgado por la New York Academy of Art a sus egresados, que culmin\u00f3 en la exposici\u00f3n Chubb Fellows Show 2025<\/strong> (Nueva York).<\/p>\n
En 2025 present\u00f3 Las Dragonas<\/em> en ARTBO | Salas<\/strong> (Bogot\u00e1), particip\u00f3 en M\u00ednima Expresi\u00f3n<\/em> en Galer\u00eda Policroma<\/strong> (Medell\u00edn), form\u00f3 parte de Chubb Fellows and Friends<\/em> en la Green Family Art Foundation<\/strong> (Dallas) y expuso en Art Basel<\/strong> 2024 y 2025 (Miami) por segundo a\u00f1o consecutivo gracias a la Chubb Fellowship. En diciembre de 2025 particip\u00f3 en Between Myth and Memory<\/em> en 81 Leonard<\/strong> (Nueva York) y, en febrero de 2026, en Lenguajes de Papel<\/em> en Galer\u00eda El Museo<\/strong> (Bogot\u00e1, Colombia).<\/p>\n\t\t\t
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El contexto hist\u00f3rico que influir\u00e1 en el desarrollo de la obra de Guayasam\u00edn, est\u00e1 conformado por varios acontecimientos, entre los cuales, se destacan a nivel de su pa\u00eds natal: la afectaci\u00f3n de la econom\u00eda debido la gran depresi\u00f3n de los a\u00f1os 30, la marginaci\u00f3n de los pueblos ind\u00edgenas, afrodescendientes y la explotaci\u00f3n de los trabajadores. Por otro lado, en el ambiente intelectual ecuatoriano, como en el resto de Am\u00e9rica Latina, se iban gestando las luchas por la reivindicaci\u00f3n de los pueblos originarios y de la clase trabajadora, lo cual quedar\u00e1 plasmado en las letras y las artes. En el \u00e1mbito internacional\u00a0 \u00a0la revoluci\u00f3n mexicana, la guerra civil espa\u00f1ola, las atrocidades de la Segunda Guerra mundial y finalmente el planeta amenazado por el exterminio nuclear durante la denominada guerra fr\u00eda.<\/em><\/p>\n
El artista ecuatoriano recordar\u00e1 su ni\u00f1ez marcada por las privaciones y el menosprecio hacia su ascendencia ind\u00edgena, como elementos que permear\u00e1n su producci\u00f3n art\u00edstica, convirti\u00e9ndola en un grito de denuncia ante la injusticia y la explotaci\u00f3n depredadora del ser humano hacia los m\u00e1s vulnerables.\u00a0\u00a0<\/p>\n
Guayasam\u00edn se gradua como pintor y escultor en 1940 en la Escuela Nacional de Bellas Artes. En 1942 gana el primer premio en el Sal\u00f3n Nacional Mariano Aguilera. En este mismo a\u00f1o la adhesi\u00f3n del artista ecuatoriano a las vanguardias expresionistas, al indigenismo y a la ideolog\u00eda socialista son evidentes en su obra. La primera exposici\u00f3n del pintor quite\u00f1o estuvo acompa\u00f1ada por una gran pol\u00e9mica, debido al car\u00e1cter de denuncia social de sus lienzos. Nelson Rockefeller encargado\u00a0 de los asuntos Interamericanos de los Estados Unidos, impactado por la pintura de Guayasam\u00edn, adquiere 5 obras y gestiona una invitaci\u00f3n para que el artista ecuatoriano visite y exponga en este pa\u00eds. Guayasam\u00edn viaja a los Estados Unidos, luego va a M\u00e9xico y trabaja como asistente del gran muralista Jos\u00e9 Clemente Orozco, tambi\u00e9n conoce a Diego Rivera. \u00a0<\/p>\n
En 1945 emprende un viaje de M\u00e9xico hasta la Patagonia, el cual puede palpar la terrible situaci\u00f3n de pobreza de la Latinoam\u00e9rica profunda. Resultado de esta traves\u00eda y del apoyo del intelectual Benjam\u00edn Carri\u00f3n (creador de la Casa de la Cultura Ecuatoriana) es la serie Huayca\u00f1an <\/em>(1952-1953), palabra quichua que significa: Camino del llanto<\/em>, la serie estaba formada por 103 obras. En Huayca\u00f1an<\/em> Guayasam\u00edn retrata la antropolog\u00eda de la marginaci\u00f3n de los pueblos originarios, los afrodescendientes y los mestizos, denunciando la miseria lacerante y la inhumanidad que padecen las personas m\u00e1s vulnerables del continente, a la vez que ensalza sus luchas y esperanzas. En esta primera serie el pintor ecuatoriano crea una s\u00edntesis entre la influencia del muralismo mexicano y su propia personalidad art\u00edstica, evolucionando hacia un dibujo de l\u00edneas, colores, texturas y composiciones m\u00e1s vanguardistas, sin abandonar la figuraci\u00f3n expresionista.\u00a0<\/p>\n
En 1956 el artista quite\u00f1o gana el primer premio de pintura en la III Bienal Hispanoamericana de Arte, y en 1957, es galardonado con el primer Premio de la Bienal de San Pablo, a partir de aqu\u00ed recibir\u00e1 otros muchos reconocimientos internacionales.<\/p>\n
La segunda serie que Guayasam\u00edn inicia aproximadamente en 1960 y se titula La Edad de la Ira<\/em>, en ella aborda las tragedias de la violencia humana que tuvieron lugar en el siglo XX:\u00a0 la inhumanidad de los campos de concentraci\u00f3n nazis, las masacres de la Guerra Civil Espa\u00f1ola, las dictaduras que corroen la libertad en Latinoam\u00e9rica, el bombardeo nuclear de Hiroshima y Nagasaki, la invasi\u00f3n a Playa Gir\u00f3n en Cuba, entre otras. Las manos el maestro quite\u00f1o pintan formas que se vuelven m\u00e1s desencarnadas y \u00e1speras, sus pinceladas y sobre todo los gestos certeros de la esp\u00e1tula, depositan la materia pict\u00f3rica\u00a0 formando estratos que revisten la estructura \u00f3sea atormentada de sus figuras humanas con la piel de la angustia, adem\u00e1s el pintor ecuatoriano delimita las formas no solamente con las l\u00edneas negras de su pincel, sino tambi\u00e9n con ara\u00f1azos que dejan ver la base blanca de la preparaci\u00f3n del cuadro.<\/p>\n
Los rostros y las manos, cada vez m\u00e1s dominantes, en la atormentada anatom\u00eda representada por el artista quite\u00f1o, est\u00e1n modelados con l\u00edneas cortantes y superficies de color que se sobreponen al en\u00e9rgico ritmo de la esp\u00e1tula del maestro. En las cuencas oscuras de los ojos de sus personajes, adivinamos el brillo de un alma empapada de\u00a0 emociones. La paleta de colores es parte fundamental del lenguaje pl\u00e1stico de Guayasam\u00edn, para expresar la s\u00edntesis entre la sensibilidad, que conmueve las entra\u00f1as del artista y la tem\u00e1tica a tratar. La Edad de la Ira<\/em> se caracteriza por una crom\u00e1tica de ocres y tierras, negro, azul fr\u00edo y met\u00e1lico, rojo sangre usualmente acompa\u00f1ado por un verde profundo, y la solidez implacable del gris. En La Edad de la Ira \u00a0<\/em>asistimos a la plena madurez del artista quite\u00f1o.\u00a0 <\/em><\/p>\n
La creaci\u00f3n de la fundaci\u00f3n Guayasam\u00edn, en 1976, servir\u00e1 para que el legado del artista pase a formar parte del patrimonio cultural ecuatoriano. El pintor quite\u00f1o dona sus colecciones de arte precolombino, colonial y contempor\u00e1neo junto a su propia obra. En los a\u00f1os ochenta, el artista ecuatoriano crea su serie titulada Mientras viva siempre te recuerdo<\/em> o conocida tambi\u00e9n como La Edad de la Ternura<\/em>, como un homenaje a la memoria de su madre, que fue siempre su pilar de apoyo. A diferencia de La Edad de la Ira<\/em>, la composici\u00f3n de las l\u00edneas y las formas parecen convertirse en un abrazo del que surgen las figuras c\u00e1lidas de la madre y su hijo, que son las protagonistas de esta serie. Los rostros se juntan entra\u00f1ablemente y ocupan los primeros planos esbozando sonrisas e inocencia,\u00a0 mientras las manos abrazan y acarician. La paleta de ocres, amarillos y azules, unida al formato mediano y usualmente cuadrado de los lienzos, forman un equilibrio din\u00e1mico que transmiten intimidad y afecto. Esta serie se dispers\u00f3 pero se puede apreciar una muestra significativa en la Fundaci\u00f3n Guayasam\u00edn.<\/p>\t\t\n\t\t\t
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En 1996 el artista quite\u00f1o da inicio a la Capilla del hombre, declarada por la UNESCO \u00a0proyecto prioritario,<\/em> considerada como un canto de amor a Am\u00e9rica, afirma y enaltece las culturas maya-quich\u00e9, azteca, aymara e inca, evocando su cosmogon\u00eda, sus s\u00edmbolos, sus textos sagrados, su flora y su fauna. Tambi\u00e9n Guayasam\u00edn aborda, los cruentos hechos de la conquista, el mestizaje y el despotismo, por ejemplo, la muerte de los habitantes originarios en las infames minas del cerro de Potos\u00ed, la esclavitud de los afrodescendientes arrancados con violencia de su tierra, la angustia de las madres que buscan a sus hijos desaparecidos durante la dictadura, entre otros temas. \u00a0La Capilla del Hombre<\/em> posee: obras tempranas del pintor ecuatoriano, algunos cuadros de la serie \u00a0Huayca\u00f1\u00e1n<\/em>, la serie La Edad de la Ira,<\/em> y algunas muestras de La Edad de la ternura. <\/em>\u00a0Todas estas pinturas forman un himno que va del clamoroso grito de denuncia de los despose\u00eddos de la tierra a un crescendo de esperanza en la victoria de los derechos humanos. La Capilla del Hombre<\/em> es s\u00edntesis y legado del pintor ecuatoriano, es revelaci\u00f3n del esp\u00edritu del artista que clama: \u00abmantengan una luz encendida, que siempre voy a volver\u00bb.<\/p>\n
Guayasam\u00edn fue el art\u00edfice de grandes retratos y murales, paisajes y bodegones de flores, acuarelas, dibujos, y grabados, esculturas y dise\u00f1os para joyer\u00eda. El artista quite\u00f1o llev\u00f3 a cabo m\u00e1s de 200 exposiciones monumentales alrededor del mundo. El pintor quite\u00f1o retrato adem\u00e1s de sus seres queridos a varias de las figuras m\u00e1s destacadas en el campo pol\u00edtico, del arte, de las letras, la m\u00fasica, actores, intelectuales y hasta algunos miembros de la nobleza europea.<\/p>\n
El poeta Pablo Neruda dijo de su amigo Guayasam\u00edn: Pocos pintores de nuestra Am\u00e9rica tan poderosos como este ecuatoriano intransferible<\/em>. El pintor \u00a0quite\u00f1o fue el artista m\u00e1s destacado de su generaci\u00f3n y ocupa uno de los sitiales m\u00e1s importantes del panorama cultural ecuatoriano en la segunda mitad del siglo XX. Cada uno de sus gestos pl\u00e1sticos \u00a0evidencia su actitud pol\u00edtica y su concepci\u00f3n est\u00e9tica. Guayasam\u00edn defin\u00eda su arte diciendo: Mi pintura es para herir, para ara\u00f1ar y golpear en el coraz\u00f3n de la gente. Para mostrar lo que el Hombre hace en contra del Hombre<\/em>.<\/p>\n
Parafraseando la opini\u00f3n del escritor ecuatoriano Jorge Enrique Adoum,\u00a0\u00a0 en los grandes murales de Guayasam\u00edn vibran los ecos del esp\u00edritu atormentado de Miguel \u00c1ngel en su Juicio Final<\/em>, las estremecedoras escenas\u00a0 de Los desastres de la guerra<\/em> y el dramatismo de Los fusilamientos del 3 de mayo,<\/em> de Goya, permeados por el vanguardismo explosivo del Guernica<\/em>, de Picasso. \u00a0\u00a0Uno de los artistas m\u00e1s excepcionales del siglo XX, junto al brasile\u00f1o C\u00e1ndido Portinari, y el mexicano Rufino Tamayo. Si bien, Lam pintaba la selva americana con su embrujo de demonios vegetales, y Matta reafirmaba en Europa la realidad de la imaginaci\u00f3n y sue\u00f1o de Am\u00e9rica Latina; Guayasam\u00edn, escogi\u00f3 para su pintura lo palpable y visible de la realidad de su continente, el llanto en el rostro de los despose\u00eddos de la tierra, las huellas de la infamia que la guerra y la injusticia dejaron en los m\u00e1rgenes del mundo.<\/p>\n
El aporte de Guayasam\u00edn consiste en haber tomado el dramatismo del dolor humano, \u00a0la denuncia de las injusticias sociales y la lucha por los derechos humanos, y convertirlos a trav\u00e9s de su visi\u00f3n personal de la historia, en la materia prima de su arte, interpelando al espectador y colocando ante sus ojos lo que generalmente desea evitar. El maestro ecuatoriano asumi\u00f3 el lenguaje del \u00a0expresionismo figurativo, tamiz\u00e1ndolo a trav\u00e9s de su t\u00e9cnica y sensibilidad personal, por medio de sus formas, texturas y colores tan caracter\u00edsticos haci\u00e9ndolos propios. \u00a0Supo evocar al mismo tiempo las ra\u00edces ancestrales del continente, la rudeza de las vanguardias, y la sabidur\u00eda de los grandes maestros del arte occidental, constituyendo su obra en cuerpos coherentes. \u00a0El resultado de esta s\u00edntesis, m\u00e1s all\u00e1 de un cierto remanente de manique\u00edsmo ideol\u00f3gico-pol\u00edtico, caracter\u00edstico de la \u00e9poca, es una obra art\u00edstica s\u00f3lida que aborda temas universales que cuestionan al espectador hasta las entra\u00f1as de su propia existencia: el dolor, la violencia, la muerte, la indignaci\u00f3n contra la injusticia, la maternidad, la ternura, y el amor hacen que la obra del maestro Guayasam\u00edn trascienda en el tiempo y el espacio.<\/p>","post_title":"Oswaldo Guayasamin","post_excerpt":"","post_status":"publish","comment_status":"closed","ping_status":"closed","post_password":"","post_name":"oswaldo-guayasamin","to_ping":"","pinged":"","post_modified":"2022-08-23 12:55:39","post_modified_gmt":"2022-08-23 17:55:39","post_content_filtered":"","post_parent":0,"guid":"https:\/\/emblematicartgallery.com\/?post_type=cpt_portfolio&p=3217","menu_order":0,"post_type":"cpt_portfolio","post_mime_type":"","comment_count":"0","filter":"raw"},{"ID":18777,"post_author":"4","post_date":"2022-06-14 09:54:34","post_date_gmt":"2022-06-14 14:54:34","post_content":"
Alejandro Obreg\u00f3n naci\u00f3 en 1920 en Barcelona (Espa\u00f1a) y falleci\u00f3 en 1992 en Cartagena (Colombia). Desde muy peque\u00f1o se mud\u00f3 con su familia a Barranquilla, y m\u00e1s adelante estudiar\u00eda en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston y en la Llotja de Barcelona. Despu\u00e9s de vivir en Francia y a Nueva York, Obreg\u00f3n regresa a Colombia en 1944 y se consolida como artista luego de participar el en V Sal\u00f3n Nacional de Arte del pa\u00eds.<\/p>
Obreg\u00f3n llega al pa\u00eds con un estilo pict\u00f3rico definido, particular e innovador para la \u00e9poca. Sus pinturas empezaron a mostrar grandes brochazos y manchas, en donde el color ser\u00eda usado de manera m\u00e1s arbitraria para poder expresarse con mucha mayor fuerza: fondos diluidos contrastados con primeros planos totalmente cargados de pigmentos, en otras palabras, juega entre lo figurativo y lo abstracto. En cuanto a las tem\u00e1ticas, Obreg\u00f3n comenz\u00f3 a representar lo que Alejo Carpentier denomin\u00f3 como lo \u201creal maravilloso\u201d: la realidad tras las apariencias. En sus cuadros recrea la realidad, transformando arm\u00f3nicamente el paisaje natural colombiano al tiempo que modifica las figuras humanas y les otorga un car\u00e1cter simb\u00f3lico a los animales, para as\u00ed crear obras llenas de impronta m\u00e1gica, llenas de lirismo.<\/p>\t\t\n\t\t\t
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Vanessa Nieto Romero naci\u00f3 en Bogot\u00e1 en 1989, ciudad donde vive y trabaja actualmente. Es una artista interdisciplinaria cuya pr\u00e1ctica se desarrolla principalmente en el grabado, la escultura y la instalaci\u00f3n. Estudi\u00f3 Artes Visuales en la Universidad Nacional de Colombia y obtuvo una maestr\u00eda en grabado en la Rhode Island School of Design. Ha participado en m\u00faltiples exposiciones colectivas desde 2012 en ciudades como Bogot\u00e1, Nueva York, Francia y Jap\u00f3n, y es cofundadora de Taller Circular, un espacio dedicado a la gr\u00e1fica en Bogot\u00e1. Actualmente se desempe\u00f1a como profesora en el Departamento de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia.<\/p>
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Su obra se caracteriza por una exploraci\u00f3n constante de la relaci\u00f3n entre el cuerpo y la materia, as\u00ed como por el inter\u00e9s en las huellas que deja la experiencia humana en los objetos cotidianos. A partir de materiales como textiles, papel, muebles en desuso o residuos urbanos, Nieto investiga las capas sociales, sensibles y simb\u00f3licas que estos contienen, abordando temas como el trabajo, la memoria y la vida cotidiana. A trav\u00e9s de procesos que implican transformaci\u00f3n material y trabajo manual prolongado, su pr\u00e1ctica establece v\u00ednculos entre lo f\u00edsico y lo simb\u00f3lico, proponiendo reflexiones sobre la presencia del cuerpo \u2014especialmente el cuerpo femenino\u2014 en las din\u00e1micas hist\u00f3ricas y sociales.<\/p>\t\t\n\t\t\t
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El artista Fernando de Szyszlo naci\u00f3 en 1925 y falleci\u00f3 el 2017 en Lima, Per\u00fa. De Szyszlo comenz\u00f3 estudiando arquitectura, sin embargo, tiempo despu\u00e9s entro a estudiar arte en la Pontificia Universidad Cat\u00f3lica del Per\u00fa. M\u00e1s adelante viajar\u00eda por toda Europa, all\u00ed conocer\u00eda de primera mano el abstraccionismo y, con la ayuda de sus amigos Octavio Paz y Andr\u00e9 Breton, el surrealismo.
Al regresar a Per\u00fa sus primeras pinturas eran obras abstractas, pero con el tiempo comenzar\u00eda a crear su propio lenguaje art\u00edstico, en donde comenzar\u00eda a tratar temas peruanos y latinoamericanos a trav\u00e9s de un estilo no representativo. De Szyszlo logr\u00f3 reinterpretar aquellos elementos que aprendi\u00f3 del surrealismo desde el contexto Latinoamericano, y as\u00ed lograr establecer una identidad propia y colectiva.<\/p>
La obra pict\u00f3rica de Fernando de Szyszlo, al usar mitos latinoamericanos con un lenguaje art\u00edstico europeo, crea tensiones entre lo primitivo y lo civilizado, lo m\u00e1gico y lo racional, lo barb\u00e1rico y lo refinado, el primer mundo y el tercer mundo. Sus pinturas rescatar los mitos e im\u00e1genes precolombinos a partir de la no figuraci\u00f3n y del uso colores apagados.<\/p>\t\t\n\t\t\t
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Artista pl\u00e1stica egresada de la Universidad de los Andes (2015), con una Maestr\u00eda en Artes del California Institute of the Arts (CalArts, 2018) y una Maestr\u00eda en Pintura del Bard College de Nueva York (2019). Su trayectoria ha sido reconocida con diversos premios y becas, entre ellos el primer lugar en el Concurso de Poes\u00eda del Fondo de Cultura Econ\u00f3mica de M\u00e9xico (2022), la beca Felix Gonz\u00e1lez-Torres para investigaci\u00f3n art\u00edstica y la beca Desarrollo de Proyectos de Creaci\u00f3n Art\u00edstica para J\u00f3venes Artistas Visuales y Pl\u00e1sticos del Ministerio de Cultura de Colombia (2021). Ha participado en exposiciones colectivas en espacios como la C\u00e1mara de Comercio de Bogot\u00e1, Galer\u00eda Santaf\u00e9, Galer\u00eda Neebex y Proyecto Binario.\nSu pr\u00e1ctica art\u00edstica aborda la vulnerabilidad desde perspectivas feministas y de estudios de g\u00e9nero, cuestionando imaginarios asociados a la seguridad, la soberan\u00eda y la invulnerabilidad. A trav\u00e9s de proyectos de investigaci\u00f3n y creaci\u00f3n, explora problem\u00e1ticas relacionadas con la violencia sexual y de g\u00e9nero en Am\u00e9rica Latina. Paralelamente, desarrolla una amplia labor acad\u00e9mica como docente y gestora cultural, desempe\u00f1\u00e1ndose actualmente en el Programa de Artes Pl\u00e1sticas de la Universidad El Bosque, donde dirige iniciativas de educaci\u00f3n continua y relacionamiento externo.<\/p>\t\t\n\t\t\t
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